De 15 viktigste teaterfunksjonene

De viktigste egenskapene til teatret er nært knyttet til elementene som er felles for noe arbeid eller ytelse. Begrepet teater har sin opprinnelse i det greske ordet teatron, som betyr et "sted å se".

Derfor refererte teater til både et sted og en bestemt form for oppfatning. I dag kan teaterbegrepet referere til: en bygning, en aktivitet ("gå til" eller "teater"), en institusjon og en kunstform.

Teatret er grenen av naturskjønn kunst relatert til forestillingen og representasjonen av historier foran et levende publikum, ved hjelp av en kombinasjon av taler, bevegelser, natur, musikk, lyder og skuespill som søker å stimulere og opphisse seeren.

Hodet spiller også en viktig rolle i teatret, siden dette kunstneriske uttrykket deklareres i henhold til oppfatningen og fantasien til tilskueren.

Alle spillene har felles elementer som karakteriserer denne kunsten. Deretter vil du kunne se mer detaljert de mest fremragende funksjonene.

15 karakteristiske elementer av teatret

1- Plot

Det er hva som skjer i arbeidet. Det refererer til handlingen. Organiseringen av hendelser eller valg og rekkefølge av scener i et spill. Ifølge Aristoteles er det et abstrakt konsept som refererer til disposisjonen av hendelsene som utgjør råmaterialet og komponentene i historien.

Plottet er måten som disse hendelsene er strukturert i en sammenhengende helhet. Hvis det opprinnelige ordrearrangementet endres, genereres en ny ramme. I teatret dominerer to typer plott. Deretter er hovedtrekkene og differensieringselementene:

Oppløsningsskjerm

• Plottet starter sent i historien, nærmere slutten eller klimaks.
• Den dekker kort tid.
• Den inneholder noen solide og utvidede scener.
• Oppstår i et begrenset sted, et rom eller et hus.
• Antall tegn er svært begrenset.
• Det er få sekundære rammer.
• Handlingslinjen fortsetter i en kjede av årsak og virkning. Tegnene og hendelsene er nært knyttet til en sekvens av logisk utvikling, nesten uunngåelig.

Åpenbaringsdiagram

• Plottet begynner relativt tidlig i historien og beveger seg gjennom en rekke handlinger.
• Den dekker lange perioder.
• Mange korte og fragmenterte scener eller alternativet mellom korte og lange scener.
• Det kan dekke en hel by eller til og med i flere land.
• Overflod av tegn.
• Ofte preget av flere tråder, flere parallelle historier.
• Scenene er knyttet til hverandre. En hendelse kan skyldes flere årsaker, eller ingen åpenbar årsak, men det oppstår i et nettverk av omstendigheter.

2- tema

Mens plottet refererer til arbeidets handling, refererer temaet til arbeidets betydning. Noen ganger er det tydelig angitt i tittelen.

Andre ganger kan det deklareres gjennom dialog av en karakter som fungerer som dramatikerens stemme. Noen ganger er emnet mindre tydelig og oppstår først etter at man har analysert innholdet i arbeidet.

3 tegn

De er menneskene, dyrene eller ideene som er representert av skuespillerne i arbeidet. I strukturelle termer er tegnene handlingsagenter, som gir motivasjonene for at hendelser skal forekomme i plottet.

Hver karakter må ha sin egen personlighet, alder, utseende, tro, sosioøkonomisk bakgrunn og språk. Ifølge deres funksjoner i arbeidet kan skisseres noen typer tegn:

• Hovedperson : Hovedpersonen .
• Antagonistisk : Hovedmotstanderen til hovedpersonen.
• Motparter : Avslør noen aspekter av hovedpersonen ved å ha like eller forskjellige omstendigheter eller atferd.

4-skript eller tekst

Dette er utgangspunktet for teatralske prestasjoner. Det er teksten som spillet er laget av. Den består av dialog, scenebeskrivelser, beskrivelser av tegn og lignende i et spill. Det refererer til ordene skrevet av dramatikeren og tolket av tegnene.

5- Kjønn

Spesiell klasse av arbeidet. Kjønn kommer fra et fransk ord som betyr "kategori" eller "type". Valget av sjangeren reflekterer skribentens syn på emnet.

I teatret er følgende typer arbeid vanligvis representert: tragedie, komedie, melodrama og tragicomedy. Hver av disse sjangrene kan videre oppdeles etter stil og innhold i:

tragedie

Det er en etterligning av en handling som er seriøs, kompleks og relevant. Tragedien er seriøs i sin natur og omhandler dype problemer. Disse dype problemene er universelle og vekker medfølelse og frykt i publikum ved å vitne til handlingen.

komedie

Det har visjonen om å få publikum til å le, det er vanligvis fysisk og energisk. Oppførselen til tegnene som presenteres er latterlig og noen ganger absurd. Det stimulerer i publikum en korreksjon av samfunnets oppførsel.

melodrama

Det er dramaet i katastrofen, omstendigheter utover kontrollen av hovedpersonen forårsaker de betydelige hendelsene til plottet. Aspektene av hovedpersonens skyld og ansvar er eliminert.

Hovedpersonen er et offer for omstendigheter. Melodrama har en følelse av streng moralsk dom. Alle de oppgitte emnene løses på en veldefinert måte. Gode ​​figurer blir belønnet og dårlige karakterer blir straffet.

tragikomedie

Det er en refleksjon av livet selv, det inneholder alle tidligere sjangere. Det har ikke til hensikt å dømme, eller å gjøre absolutt dommer. Det fokuserer på karakterforhold og viser samfunnet i en tilstand av kontinuerlig flyt.

6- Kostymer og sminke

De er elementer som tjener til å karakterisere skuespillerne når de gjenskaper et tegn.

garderobe

Det refererer til klær og tilbehør som brukes på scenen av en skuespiller eller utøver. De gamle grekerne var pionerer i å utvikle spesifikke kostymer for hver karakter, denne kunsten tjente å gjenopplive middelalderen og representere store marquiser av retten.

sminke

Det er bruk av kosmetikk i endringen av et skuespillers fysiske utseende slik at hans utseende tilpasser seg en bestemt rolle eller for å kompensere effekten av naturskjønn belysning.

Kunsten å sminke ble revolusjonert ved introduksjon av elektrisk og gassbelysning, og nå har den blitt en meget teknisk praksis.

7- Lys og lydeffekter

Plasseringen, intensiteten og fargen på lysene, samt lydeffekter, hjelper regissøren å formidle atmosfæren, stemningen eller følelsen i en scene.

Belysning ble anerkjent som et viktig trekk ved teatralsk produksjon når innendørs forestillinger først ble utført under renessansen, med bruk av stearinlys og brannfarlige væsker.

De avgjørende innovasjonene innen lysteknologi omfattet innføring av gulvlamper, bruk av reflektorer for å øke lysstyrkenes intensitet og mørkningen av lysene i auditoriet i 1876.

Utviklingen av gassbelysning i begynnelsen av 1800-tallet representerte et viktig fremskritt på tross av de involverte farene. Bruken av elektrisk belysning begynte på California Theatre i San Francisco i 1879.

Foreløpig er belysningssystemer i moderne teatre kontrollert av svært sofistikerte datastyrt brett, som kan koordinere belysningen av et helt system. Andre nylige innovasjoner har inkludert eksperimenter med ultrafiolett lys, lasere og holografi.

Lydeffekter er lydene som genereres for å følge en scene i et spill som kan produseres av datamaskiner eller av aktører innenfor og utenfor scenen.

8- direktør

Det er den som er ansvarlig for produksjonens samlede enhet og å koordinere kunstnerens innsats. Regissørens arbeid er sentralt i produksjonen av et lek, siden det er direktøren som etablerer visjonen om produksjon for alle involverte.

Regissøren har den utfordrende oppgaven med å samle mange komplekse deler av en produksjon: skriptet, skuespillerne, kostymer, belysning, lyden og musikken i en samlet helhet. For å utføre denne oppgaven trenger en regissør:

• Tolk skriptet.
• Samarbeide med designerne.
• Planlegge forsøkene.
• Guide aktørene i sitt arbeid under repetisjonene.

Regissørens arbeid er ofte basert på en detaljert studie og analyse av skriptet som er gjenstand for montasje. Mange forsiktige avlesninger av skriptet hjelper regissøren å utvikle en individuell oversikt over dramatikerens intensjoner. Din oppfatning vil påvirke ethvert aspekt av produksjonen.

Styremedlemmene studerer også tegnene i manuset, samler så mye informasjon som mulig om deres fysiske og psykologiske egenskaper, noe som er avgjørende for valg av valg.

9-målgruppe

Gruppe av mennesker som ser arbeidet. Mange dramatikere og skuespillere anser at publikum er det viktigste elementet i teatret, siden all innsats i skriving og produksjon av et spill er til glede for publikum.

Fordi i teatret er tolkene i direkte tilstedeværelse med publikum, genereres en sirkulær strøm av energi, skuespilleren påvirker publikum og omvendt. Denne effekten forsterkes av det faktum at teatret er en felles begivenhet.

Grupperfaring er uunnværlig, siden gruppen forsterker følelsene som oppleves av den enkelte og skaper et kollektiv samvittighet. Når en gruppe individer reagerer på samme måte som det som skjer på scenen, blir deres forhold til andre bekreftet og styrket.

Graden av separasjon mellom cast og publikum er det som skiller konvensjonelt teater fra participatory theater.

I det første bruker publikum sin fantasi til å delta i arbeidet mens man skiller seg fra handlingen. I det andre samhandler skuespillerne med publikum som prøver å følge et etablert og improvisert skript, understreker personlig utvikling eller kollektiv terapi.

I teatret blir et publikum bedt om å godta mange typer imaginære verdener. En måte å skille mellom disse imaginære rikene er å dele dem inn i det som kalles realistisk og urealistisk teater.

Realisme, ble den dominerende formen av europeisk teater i slutten av 1800-tallet, forsøker å gjenskape livet så nært at publikum antar at det må være livet. Ikke-realisme, derimot, forsøker å overskride den observerte virkeligheten og presentere den del av livet som eksisterer i sinnet.

Det er imidlertid en feil å anta at disse to tilnærmingene er gjensidig eksklusive. De fleste teaterforestillinger inneholder en blanding av realistiske og urealistiske elementer.

10-scenografi

Den tjener til å gjenskape miljøet der plottet er utviklet, settet har følgende mål:

• Still inn tonen og stilen til produksjonen.
• Still inn tid og sted.
• Skille realisme fra ikke-realisme.
• Koordinere landskapet med andre elementer.
• Behandle begrensningene i scenerommet og off-stage-området.

Alle disse målene tas opp i flere møter mellom regissøren, designeren og designteamet. Senere blir ideene reflektert i skisser, som etter endringer, analyse og modifikasjoner gjør det mulig å utforme scenografien som best tilpasser seg historien og visjonen til reklamene.

Når dette scenen er ferdig, leveres designene til en teknisk direktør, som gjør nødvendige konstruksjoner, justeringer og installasjoner i scenariet for materialiseringen av den planlagte.

11-scenariet

De er teaterutstyr, for eksempel gardiner, gulv, bakgrunner eller plattformer, som brukes i en dramatisk produksjon.

12-apparat

Det er forskjellige kategorier av rekvisitter. Mye av rekvisitter kommer fra skriptet og er elementer som kreves av regissøren. Scenografen krever vanligvis også ensemble rekvisitter som møbler som vises på scenen, noen ganger er det en tynn skillelinje mellom denne type rekvisitter og scenografien.

Støtten er et mobilelement som vises under en forestilling, unntatt kostymer og scenen. De er artikler manipulert av en eller flere skuespillere. En bok, en pistol, et glass vin, blant andre.

13-handlinger

De representerer en viktig deling i utviklingen av teaterarbeid. De fleste av spillene fra den elisabethanske epoken til 1800-tallet ble delt inn i fem handlinger av dramatikere eller senere redaktører.

På slutten av 1800-tallet begynte mange forfattere å skrive works of four acts. I dag er en, to og tre handlinger de vanligste spillene.

14-teatre (bygning)

Det er plassen der skuespillere eller publikum kommer sammen. Det er viktig å ha et område hvor kunstneren eller utøveren kommuniserer med et levende publikum.

Teatralske bygningene utviklet seg fra de frittstående amfiteaterne til grekerne og romerne, til det utrolige utvalget av former vi ser i dag. Det er en plass som støtter den emosjonelle utvekslingen mellom spilleren og publikum.

15- konvensjon

En teatralsk konvensjon er et praktisk verktøy som brukes av dramatøren eller regissøren for å bidra til å fortelle historien om dramaet i teatret. Den vanligste teatralsk konvensjonen er at personene snakker med hverandre og utgir seg for ikke å legge merke til publikum.

Ofte referert til som fjerde vegg eller fjerde skjermkonvensjon, er eksistensen av en (usynlig) divisjon mellom skuespillerne og publikum simulert.

Opprinnelser og historisk utvikling av teatret

Når teatret startet, er det et mysterium. De forhistoriske jegerne representerte historier om deres jaktekspedisjoner. De gamle egypterne utførte hellige sanger og danset for sine guder i religiøse seremonier. Men ideen om teater som dramatisk underholdning kom senere.

Det er kjent at de engelske ordene for tragedier og komedier kommer fra de gamle grekeres språk. Selv om grekerne ikke var de første til å spille, var de veldig interessert i tragedie og komedie.

I hans skrifter foreslo filosofen Aristoteles og andre greske forfattere teorier og skapte hypoteser om hvordan teaterkunstens form utviklet seg.

De greske verkene ble utført i uteluftene. Først var teatrene i åpne områder som ligger i sentrum av byen eller ved siden av åssidene. Publikum var klar til å høre og se på koret synge om en guds eller en heltes eventyr.

Mot slutten av det 6. århundre a. C., de teatralske strukturer ble mer forseggjort. Etter hvert som teatret ble stadig mer populært og konkurransedyktig mellom byene, ble teatrene større med strukturer som kunne imøtekomme opptil 15.000 mennesker om gangen.

Teatret har eksistert siden folk møttes for første gang for å høre noen andre fortelle en historie. Venner og familie delte ansvaret til publikum og tolken, utveksling av roller så lenge noen hadde en historie å dele.

Moderne teater kan være mer formell, med skuespillere opplært for å gjenskape en historie og sofistikerte tilskuere som reagerer på en scene, men ideen om å dele energi mellom cast og et levende publikum forblir uendret.